Piombino

Comunicato Stampa del 03 settembre 2005

Titolo della mostra: Genesi Del Colore

32 opere, olio su tela, di Luigi De Giovanni

Artista: Luigi De Giovanni

Galleria: Comunale di Arte Moderna e Contemporanea, Sala Nuove Proposte, Piombino

Via L. Da Vinci,7 e via Garibaldi,20 Piombino(LI)

Dal 03 al 18 settembre 2005

Orari: Tutti i giorni, incluso sabato e domenica, 10-13 e 15-19

Catalogo, con prefazione di Paolo Levi, in Galleria

La galleria Comunale Di Arte Moderna e Contemporanea propone 32 opere, olio su tela, di Luigi De Giovanni

Luigi De Giovanni, artista pugliese che conserva nei suoi più profondi sentimenti l’energia vitale della mediterraneità e le suggestioni che la sua terra dona, si è dedicato alla pittura sin dalla più tenera età e si è diplomato all’Accademia Di Belle Arti di Roma nel 1974.

Il suo rovello pittorico è legato alla natura, da cui ha preso a piene mani ispirazione, e all’angoscia del vivere dell’uomo. Le sue opere, caratterizzate da grande comunicabilità, lasciano intravedere il suo animo sensibile, schivo e meditativo.

In esse il pennello ha lasciato flebili tracce di memoria e il dipinto fattosi voce narrante sussurra un racconto, certe volte, misterioso ma sempre capace di disvelarsi ad un attento “spettatore”. E’ il racconto di una vita che De Giovanni vive ascoltando i bisbigli del suo temperamento inquieto. Una finestra sui sentimenti più intimi di un uomo che ha fatto della pittura la sua vita.

Nella natura si è soffermato per coglierne l’afflato, “en plein air”...Le sue opere, caratterizzate da grande comunicabilità, lasciano intravedere il suo animo sensibile, schivo e meditativo... Paesaggi di un animo che si vivificano con i colori di una tavolozza che suggerisce racconti di fiori non giunti a frutti, di paesaggi, di mari mediterranei pregni di storie e di passioni e turbamenti dell’uomo.

Sfogliando come in un libro i fogli, quadro dopo quadro, ecco pagine di vita e del tempo che inesorabilmente passa. L’assenza di figure umane dipinte nei paesaggi è quasi un monito, una richiesta al rispetto della natura per salvare l’uomo.

L’assenza dell’uomo è quindi la sua presenza nel significato più poetico del rispetto della vita.
Fra le sue mostre personali recenti ricordiamo:
2002 - “Castello Carlo v ” Lecce “ L’uomo soffiò e........”
dal 09 al 18/02 presentato dalla galleria
“ Il Raggio Verde” Lecce
2002 - “ Castello Risolo di Specchia” dal 04 al 24 agosto
presentato dal Comune e dalla Pro Loco di Specchia
2002 - “Piccola Galleria” Specchia “Le vibrazioni del colore
nella luce”
2003 - Galleria “La Bacheca “ Cagliari “ La Danza del Colore”
2003 - Galleria “III Millennio” Venezia
2003 - Sutta le Capanne du Ripa Specchia Lecce
2004 - “SUBLIMATIONS - landscape of the soul” 5/16 luglio
Espace Couloir r.d.c. ASP - PARLAMENTO EUROPEO
Bruxelles
2004 - “Urlo Nel Buio” Sutta Le Capanne Du Ripa Specchia Lecce
2004 - Galleria “ Della Tartaruga” 25 settembre 5 ottobre Roma
2004 - “Urlo Nel Buio” Galleria “La Bacheca” 9/20 ottobre Cagliari
2004-05 - “Urlo Nel Buio” Galleria Raggio Verde 4 dic. 4 gen. Lecce
In programmazione personali:
2005 Galleria Comunale d’Arte di Piombino
2005 Circolo dei Sardi e galleria “Mentana” di Firenze
2005 galleria III° Millennio Venezia

Percorsi di un artista: “Luigi De Giovanni”

Luigi a malapena si reggeva sulle sue gambette. Aveva da poco compiuto un anno ed oltre a gattonare cercava tutti gli appigli per camminare o conquistare la posizione eretta. La madre, come spesso le capitava, era intenta a disegnare i decori per delle tovaglie; perciò aveva messo in giro matite colorate, tempere ed acquerelli. Sentì bussare e si alzò, erano alcune ragazze che seguivano i suoi corsi di taglio. Si mise a parlare con loro perdendo, solo per poco tempo, di vista il figlioletto. In quel momento Luigi, dopo tanti sforzi e capitomboli, riuscì a rizzarsi in piedi sulla coperta celeste. Senza esitare mise le sue manine, cicciotelle, in quell’oggetto poggiato sul tavolino che tanto l’aveva incuriosito negli ultimi dieci minuti. Era fatta: le sue manine erano diventate blu, rosse, verdi e gialle. Stava per perdere l’equilibrio: piegò le gambe si curvò in avanti ma la forza di gravità vinse e atterrò sulla coperta, colorando qua e là.  Si guardò le manine e cominciò a batterle, il risultato fu di un dripping involontario. Gli piacque. La madre Santa era troppo intenta a parlare di girovita, fianchi, pence, e pieghe con le sue ospiti ed il bambino era così tranquillo che lei pensò che si fosse appisolato.  Luigi era sveglissimo e di nuovo ondeggiando ed aggrappandosi alla sedia era in piedi e tastava con le manine sul tavolo alla ricerca della tavolozza. Ecco le sue mani erano ben impregnate ma aveva nuovamente perso l’equilibrio e si risedette bruscamente sulla coperta. Le mani erano ben cariche di colore e cominciò con i gocciolamenti e le striature su tutto quello che era alla sua portata. Non pago mise le mani in bocca ma con una smorfia di disgusto le allontanò subito. Passò ai capelli biondo chiaro e l’effetto fu meraviglioso. Tutto gli appariva magico sino a quando la madre non si voltò facendosi scappare un urlo disperato spaventando il piccolo artista che pianse a lungo. A pochi anni Luigi sottraeva furtivamente i colori alla madre, quando lei dipingeva sui tessuti e li lasciava incustoditi anche per brevi momenti. Colorava tutto, era come se non volesse accettare il monocromo. Colorava maglie, tovaglie, tovaglioli, lenzuola, coperte… perché risparmiare i muri! I pennelli, spesso, non gli bastavano. Per le sue originali creazioni, allora, usava le mani. I suoi occhi grandi, di un blu intenso, si contornavano di rosso, giallo, verde, come pure i suoi indumenti. La madre osservandolo pensò che sarebbe stato meglio aiutarlo nelle sue inclinazioni perciò sin dai primi anni di scuola gli insegnò ad usare i colori: pastelli, tempere ed acquerelli. Questo bimbo aveva trovato la sua felicità: era un pittore. Le sue doti artistiche suscitarono l’interesse degli insegnanti nella scuola elementare, che gli facevano colorare la maggior parte dei disegni. Non tutto era semplice però, in quanto Luigi voleva fare a modo suo e non sentiva i consigli dei maestri. Questo gli procurò non poche punizioni. Quando aveva sette anni morì il padre e questo lasciò la sua famiglia nella disperazione più nera. Frequentò le elementari fra Specchia e Roma, dove vivevano i nonni materni. Intorno agli undici anni fu mandato in collegio dai Buoni Fanciulli, nella borgata di Primavalle a Roma, riservato ai ragazzini che avevano situazioni molto precarie. Fu un disastro. Qui, infatti, decisero di farlo diventare un tipografo. Furono guai! La sua passione continuò ad essere la pittura anche se, non sempre gli era permesso di praticarla come lui avrebbe voluto. L’adolescenza fu difficile. Luigi era diventato molto introverso e timido; mal sopportava i metodi del collegio. Sino allora era cresciuto con poche regole, grandi privazioni e molta fame. Dopo quattro anni fece ritorno al suo paese. A sedici anni, mentre frequentava l’Istituto d’Arte a Poggiardo, fece la prima mostra. Presentò opere che erano un’interpretazione di paesaggi dell’animo, piuttosto informali, con incursioni nelle nature morte e nella figura. Fu un successo che ancora oggi, al suo paese, ricordano in molti. Si diplomò, specializzandosi in Scultura del Legno. Nel frattempo era diventato un animo anticonformista e contestatore: i fermenti del sessantotto e degli anni settanta lo coinvolsero totalmente. Le ragazze del paese, sue coetanee, raccontano di come attendevano l’arrivo di Luigi chiamato affettuosamente Gino capellone. Molte si erano invaghite del suo fascino di pittore ribelle e senza regole. In generale amava la musica del periodo ma era un gran fan dei Beatles e di Joan Beaz. Le sue opere, antiaccademiche, cominciarono ad essere apprezzate da molti. A vent’anni s’iscrisse all’Accademia di Belle Arti di Roma dove si diplomò in scenografia. L’immagine che lo descrive, sia come artista che come uomo, è quella di uno che per i suoi ideali è salito e sale sulle barricate per difendere i suoi principi e le sue teorie.                                Federica Murgia

De l'Italie avec fureur

Eh bien oui, rien n'arrive par hasard! Avant tout, ce voyage au coeur de Paris est, pour un groupe d'artistes venant de différentes régions de l'Italie, la réalisation d'un désir commun: la rencontre et la comparaison avec une grande ville de l'art et de la culture, un symbole de liberté universelle et d'accueil. Symbole et réalité qui ne sont pas, aujourd'hui, privés d'aspects problématiques, signes de malaise qui ont été récemment motifs de réflexion et de préoccupations. Français ou italiens, nous sommes aussi et surtout européens, ce qui signifie que les forces et les faiblesses de nos pays seront partagées par tous, de plus en plus. Conscients de cela, chacun peut selon sa place dans la société, construire cette fraternité entre les peuples qui est un des grands idéaux que la France nous a offerts. Cette exposition est donc l'occasion pour nous de présenter de multiples exemples de la créativité made in Italy, une créativité qui apporte nombreux messages tous différents , expressions d'individualités issues de la situation complexe qu'est la réalité artistique italienne, forte de traditions locales très vives, d'académies et écoles d'art présentes dans chaque région, et qui perpétuent l'histoire du territoire. Mais l'art est aussi et surtout un langage universel, aussi l'artiste suit son individualité profonde, et oeuvre à la construction d'un langage universel, de la liberté et de la représentation de chaque différence. C'est la caractéristique principale de cette revue sur l'art italien d'aujourd'hui, dénuée de préjugés, ou d'interprétations préconstituées, dont les participants sont, seuls, ceux qui ont adhéré à ce projet et qui en ont matériellement soutenu la réalisation.
Il est difficile de tracer les lignes d'une lecture critique avec une représentation si fluide. L'exposition tire sa valeur de la présence d'artistes reconnus et d'autres plus jeunes, remarqués lors de concours de jeunes talents. Aussi on rencontre Alessio Artoni, vainqueur du Festival des Arts de Bologne, qui s'impose avec un style dejà défini, à mi chemin entre le figuratif et l'abstraction; d'un tout autres style, Thomas Berra, milanais de vingt ans, a déjà attiré sur lui l'attention d'un critique séléctif comme Achille Bonito Oliva qui a souligné la charge expressive et l'actualité de son oeuvre ; de même Vittorio Sgarbi a dédié, dans son dernier livre, une critique à la qualité du travail de Daniela Griffoni. Ou assiste aujourd'hui à l'affirmation d'une escouade de la Nouvelle Figuration, un style intense, de matrice expressionniste, avec Nina Nasilli, Ardè, Pisciottano, plus attentif à l'harmonie chromatique dans les corps érotiques chez Gil David, (cette dernière revient à Paris où elle a séjourné plusieurs années et où sa formation artistique s'est aussi affinée), qui se retrouve aussi dans les réalisations simplement graphiques mais pleines d'imagination du jeune bolonais Umberto Stagni. Escouade à laquelle je participe moi-même, avec quelques oeuvres sur la séduction. Un autre groupe voit la participation de représentants de la Nouvelle Abstraction, avec des traits plus informels ou post-cubistes, dans lequel on trouve Griffoni, dans la lignée d'une peinture gestuelle enrichie de couleurs byzantines, puis la vénitienne Ennia Gobbo, Vanni Bellea et Leonardo Fiaschetti qui de manières différentes construisent un espace de fragments colorés, ou encore Manuela Veri qui ne s'éloigne pas de la leçon historique de Picasso. Ou trouvera aussi les peintres de la tradition paysagiste, Lidia Pavan de Trevise, Luigi De Giovanni de Lecce, Antonio Ricci de Molise, qui racontent le "bel Paese » avec la spontanéité du langage populaire. A remarquer, la participation de quatre photographes, Mario Vidor, Paolo Gobbi, Gianpaolo Cantelmo et de la jeune Margherita Cecchini, qui représentent tous les quatre des styles différents de la photographie contemporaine. Enfin, de grande renommée, on retiendra le sculpteur Giuseppe Cavallini, qui apporte, dans ses sculptures, la modernité au rêve classique, ainsi que le travail de Penelope, qui récupère l'ancien art du tissage et de la couture pour l'appliquer à des réalisations originales et amusantes. Donc, de l'Italie avec fureur (ce "furor" que connaissaient bien les Anciens latins comme état d'allumage des sens et de la volonté, état presque transcendant que chaque artiste expérimente dans son travail). Notre revue d'artistes italiens contemporains se veut être un petit mais vif signal, car rien n'arrive par hasard, mais nous avons confiance, les prochaines nouvelles conquêtes seront sous le signe de la participation à un amalgame culturel toujours plus libre et partagé. di Daniela Bellotti Traduit de l'italien par Servane de Bienassis

“L’immaginazione al potere”
Dai figli dei fiori all’urlo nel buio

Questa mostra è la percezione dell’evoluzione dei costumi e dei pensieri politici, che l’artista ha voluto descrivere con le poetiche di colori e segni che ci fanno percorrere un viaggio nei conflitti di un’epoca che, anche con terribili eventi, ha cambiato la visione della società e del mondo nonché dell’arte. L’idea è scaturita in De Giovanni dalla sensazione di un attimo che gli fece veder sviliti gli sforzi e, anche, le vite di tanti rivoluzionari e idealisti che combatterono per i loro sogni di libertà, uguaglianza, fratellanza: purtroppo concetti ancora lontani dalla coscienza di molti uomini.
La percezione dell’oggi che lui avvertì quando si voltò attratto da una scritta su una t-shirt che diceva “ho una maglietta del Che e non so perché” fu un flash che lo catapultò nel passato. Fu così che si rivide con i sogni giovanili che animavano la sua creatività e crescevano come i suoi lunghi capelli biondi, leggermente ondulati. Risentì l’eco degli slogan del sessantotto, urlati a gran voce, che avevano reso “L’immaginazione al potere” rivoluzione permanente e, purtroppo, dolorosa per molti. Da quel momento l’urgenza della pittura, catartica del suo inconscio, lo portò davanti alla tavolozza e i gesti forti e malinconici lasciarono le tracce sulla tela, dove si materializzò il suo grido metaforico di colori e simboli che si combinavano e diventavano creatività senza condizionamenti. Si liberava nell’animo dell’artista l’urlo interiore di ricerca di giustizia e libertà. I simboli riemersero nelle sue opere, raccontando i sogni di popoli che vi avevano creduto, ma qui si tingevano delle lacrime e del sangue di tante persone che non vi avevano prestato fede e che erano state discriminate o sterminate.
Così nelle pastose tinte l’artista ha amalgamato bandiere d’ideali, spesso traditi, con gli slogan che promettevano un mondo più giusto per tutti.
Nelle sue ultime opere l’amarezza si legge nelle scritte fatte con pennellate che denunciano la rabbia e la delusione di una persona che aveva creduto e si ritrova a percorrere idealmente le conquiste ma anche i fallimenti di un secolo che con le tragedie e le guerre per il potere ha fatto sì che le ingiustizie perseverassero mentre i poveri rimanevano poveri e i ricchi diventavano sempre più ricchi.
In questa mostra De Giovanni racconta l’oggi ritrovando una società dove le banche e i poteri economici decidono la sorte dei popoli. Una realtà che stridente con il sogno e le teorie dei grandi rivoluzionari che applicarono le idee dei pensatori. Contraddizioni, fra modi di vivere e ideali, che si ritrovano anche nel riferimento a Capri, luogo d’incontro di grandi filosofi che propugnavano la rivoluzione del popolo e il riscatto dei poveri, ma stavano in un luogo per ricchi.
È così che le sensazioni dell’artista si sono accavallate sino a concentrarsi nelle opere, alcune modulari, in un racconto che porta al 14 luglio, data della Presa della Bastiglia e, anche, non a caso, dell’inaugurazione della mostra che è stata aperta con la performance di un gioioso lancio di acquerelli che volevano simboleggiare speranza per un mondo più giusto. I jeans, che diventarono divisa dei giovani sessantottini che inseguivano le utopie, dialogano con i libri che ebbero allora grande significato, sono oggi fatti diventare dall’artista installazione: monito di grandi ideali disattesi. Federica Murgia

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Rivol

uzione

L’evento “Rivoluzione” è un momento di denuncia dei drammi dell’umanità auto provocati dall’uomo accecato dall’egoismo e dalla sete di potere. Il concetto è narrato da trentasei tele bianche che interpretano la parola “pace” e da un bidone diventato mastello contenente una melma rossastra, rigirata con un grosso bastone dai visitatori.

Il titolo dà un’idea del sogno che nel tempo ha mosso i popoli che chiedevano d’esistere e che è diventato spesso incubo e tomba dove è seppellito con la giustizia e la fiducia nell’avvenire. Ora non bastano le solite parole che hanno animato gli ideali, troppo spesso crollati il giorno dopo… quel giorno che doveva essere della pace, a giustificare la partecipazione a rivoluzioni vuote come le tele bianche che sperano d’essere colorate da un’ispirazione felice.

Le tele bianche, dove neanche un artista ha voluto dipingere, si animano dalla parola “pace” presagendo venti di dolore. Dolore per un lavoro che manca, per la giustizia che non vede applicati i suoi principi, per la libertà condizionata dai poteri, per gli animi feriti nella speranza: l’oggi è triste, il domani appare minaccioso.

Nel mastello, interprete della terra, si avvertono i fermenti della ribellione contro i soprusi e i gioghi che hanno privato le persone della dignità del lavoro, della libertà, dell’uguaglianza: miraggi infranti che, spesso, hanno precipitato interi paesi in climi medievali. Le mani tengono ben fermo il bastone del potere che nel rimestare forma bolle e grumi minacciosi che si gonfiano sino a esplodere in rivolta incontrollata, essendo venuta a mancare la speranza di cambiamento. È il mastello, vecchio bidone arrugginito e sporco, che nei segni del tempo racconta tristemente di dura fatica mai ricompensata adeguatamente e di sfruttamento doloroso.

Il bastone, sporcato dall’egoismo e dall’arroganza, racconta dei potenti diventati prepotenti senza scrupolo che non si curano delle istanze di quel popolo fiducioso che li ha scelti. 

Un'installazione e una performance che servono a Luigi De Giovanni per raccontare della povera gente che, pur avendo vissuto la rivoluzione, non conta nulla nella scacchiera di quei pochi potenti che ne decidono, “rimestando” di continuo nel mastello del mondo, le sorti.

Il gesto partirà da un grande bidone, riempito di un denso liquido rosso scuro, situato al centro dello studio con dentro il bastone che servirà a rimestare: l’azione verrà fatta dai visitatori e le poche persone, che riusciranno a usare il “bastone” del potere, rimestando simboleggeranno i potenti che incuranti dei diritti dei poveri, si spartiscono le ricchezze sino a ridurre interi popoli alla fame. Nel pavimento, ricoperto da polveri bianche schizzate di rosso vermiglio e da ombre di colore tetro, si avvertiranno le tracce di rivoluzione anche osservando l’implorazione delle trentasei piccole tele (cm 20x20 ciascuna) che esalteranno la forza delle idee di pace che, purtroppo, svaporano in violenza che si diffonde coinvolgendo sempre più persone del popolo perse nel vuoto: un vuoto che porta molto spesso “dalla padella nella brace”.

                                                                Federica Murgia

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racks: tracce – a cura di Francesca Paba

Tracks: tracce – a cura di Francesca Paba
Con questa mostra l’artista vuole evidenziare l’importanza dei segni da lui lasciati sulla tela, metafora delle bianche tracce trasmesse involontariamente dal percorso delle persone. Con i primi prende forma un dipinto con i secondi la storia grande e piccola dell’uomo.
Tracce sono quelle di un pennello carico di colori. Esse descrivono la storia intima di Luigi, mostrando non solo la sua cultura ma anche quella dei suoi antenati che ne hanno plasmato il carattere. E’ l’artista che parla nel silenzio rivelando il suo conscio e il suo inconscio.
Le sue sono pennellate di sofferenze e di gioie. Sono tracce di sentimenti che danno luogo a spirituali viola, a verdi speranze, a rosse passioni e a neri pessimismi. I colori s’incontrano creando una poesia malinconica: racconto di Luigi De Giovanni.
L’opera in mostra vuole essere espressione di antichi luoghi che conservano o sono tracce del passato: testimonianze dell’umanità non sempre riconosciute e rispettate.
Tracks nei sogni, nella sensibilità di un animo che le dipinge, nei percorsi segnati da lontani tratturi di religiosità della vita. Traccia è un frammento di coccio, ancora testimone del tempo in cui era oggetto, ci dice del lavoro, della cultura: descrive la società a cui era appartenuto.
Venticinque sono i moduli che compongono l’unica opera in mostra e ciascuno, nei segni interrotti e nei colori, racconta l’intero: il particolare che riporta al tutto, al gesto che l’ha dipinto, all’istintività dell’attimo creativo, all’intento dell’artista. L’opera è una mappa che si rifà ai segni reali di un corpo, ad un viso segnato dagli eventi, alla spiritualità nascosta, all’humus che ha alimentato Luigi.
Ogni modulo è una traccia con significato proprio. Da questo si arriva alla performance che prende senso negli inconsapevoli tracciati dei visitatori, che indicano percorsi, che indicano storie. Orme che conducono a luoghi lontani e a più lunghi cammini spirituali, che si vorrebbero mantenere segreti.
Le persone lasciano e intrecciano fisiche tracce del loro passaggio, creano nelle strade pennellate della loro andatura, dapprima dal contorno nitido e ben definito che vanno via via a sfumare. Passi, soste che, più chiaramente, raccontano del gusto di lasciare una traccia come prova di sé e della propria storia. Francesca Paba